Mid世纪风潮：探寻中世纪艺术与文化的魅力

什么是视觉系？什么是哥特式？

视觉系概念

何为视觉系呢？从现场演出来看，日本视觉音乐是指在视觉上能够给予强烈地冲击的东西。在这里当然不仅仅对音乐而言，而视觉效果则不单纯是化妆就可以，它要求无论是音乐的内容、歌词的含义都要从自身的化妆效果中表现出来。一支视觉系乐队的现场演出，舞台装置和照明效果也与普通乐队不同。 很多人会认为视觉系是20世纪90年代初期在日本新兴出来的一个音乐派别，其实与视觉系类似的音乐早在六七年代就有之，像华丽摇滚。从理论基础上说，可以称华丽摇滚为视觉系的前身，因为它们有着共同的特点：浓艳妖娆的化妆、超出常人认识的衣着打扮、自顾自怜、挑逗至上的表演、与艺术派别相关的主张。

『哥特』

突出特征

哥特乐队

1、此乐队的音乐气氛怪诞且超现实。

2、此乐队的歌词包含哥特主题。

3、乐队成员的外表十分哥特化，一水儿黑。

4、乐队自称哥特乐队，和其他哥特乐队一起演出，并出现在哥特合辑当中。

5、来自于四大哥特唱片公司Cleopatra、Projekt、Tess、Anubis的乐队。

哥特族典型特征

性格：害羞且不爱交际。

艺术倾向：艺术，特别是音乐、摄影和绘画。人文，特别是文学、历史和哲学。

着装：永远的黑色或暗色衣服。显眼的宗教饰物，但却几乎天天改变信仰，永远不戴金首饰。

突出的哥特风格

音乐上：darkwave、gotht-echno、dark-alternative、ambiente之类的名词都是“哥特风格”。

再具体形容：黑暗的恐惧、死亡的悲伤、禁忌的爱、彻底的痛苦带来的美感，简而言之，人类精神世界中的黑暗面。

那么，若是哥特与音乐的联姻，则任意地写作了GothicRock。哥特音乐在字典中又做出了另一种解释：热烈的混合了各种乐器，秉持着悲观绝望的终极价值观，透露出启示录般神秘虚空的歌词。在1800年左右的浪漫主义运动中（ROMANTICMOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。浪漫主义成为这场文化运动的中心。浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘主义中寻求理想，还有些人试图从自然中得到答案。他们用自己不同的方式来达到自己的目标。在整个浪漫主义运动中哥特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和哥特作家象Byron,Shelley,Baudelaire还有Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。哥特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象CasparDavidFriedrich对黑暗和荒凉的展现。而在建筑上新哥特式逐渐成为时尚。

有的音乐是磁场，你不自觉地就被它吸引过去了。而哥特，则是黑洞。把人完整地吸进去，席卷你的思想、理性甚至一切下意识的东西。它会释放人性深处压抑太久的东西，让你的情绪进入白热化的癫狂痴醉。而在那种癫狂的状态下，人却会异常地清醒和冷静。快乐让人肤浅，而痛苦让人深刻。以至在痛苦中沉沦。沉沦，沉沦到黑暗的谷底。在那一刹间，你对世事忽然看得那么清楚。你终于永远也不会失望了，因为你终于绝望了。

哥特，是来自中世纪的蛊咒。黑暗给了哥特黑色的眼睛，我们却用它来寻找光明。不知从什么时候起，哥特这个词汇开始鬼魅般潜入我们的生活，并以其暗含的凌厉锋芒悄悄改变了世界。以《指环王》、吸血鬼系列为代表的哥特**正在火热票房，哥特音乐复苏并迅速发展，甚至连时装界也跟着掀起了哥特风潮。冷静地反思一下，哥特浪潮的汹涌并不止是单凭市场的炒作形成的，追究其背后，还有值得我们回味与反思的东西。

哥特文化从中世纪的兴起，几经波折发展到今天的卷土重来，有着其相应的社会历史背景。我想其中不可忽视的一点是，整个人类在20世纪都愈来愈深地感觉到生存意义的质疑。这种虚无主义的发展标榜了我们这个时代的精神特征。二战后西方文化发展过程中所出现的神学复苏的思潮即是证明。哥特风潮的回归,与其说是恰好迎合了人们的心理需求，不如说是大众有意识地发掘出了这种亚文化形态，并进一步完善了它以满足精神上的需要。对于这种亚文化的实质和魅力所在，我的理解就是，它是一种信仰黑暗和死亡美学的宗教。这个题目或许太大了，那么就让我从哥特音乐开始谈起罢。

从早期哥特或者说是后朋的音乐中可以听出，摇滚经历了数次狂潮的洗礼发展到70年代末，Punk式粗糙简约的嘶吼已显出颓势，转向压抑和自省。大概是punk族向社会宣泄了所有的不满之后，发现一切依然故我无动于衷，于是他们开始对这个世界深深绝望。而在主流社会的门冷冷紧闭的同时，一扇黑色的刻满中世纪浮雕的神秘大门悄悄地向他们敞开了。Punk族们凭着叛逆的勇气闯入了这片曾经被称做哥特的禁地，并在那里找到了生存和繁衍的土壤。哥特，这个潜伏了几个世纪的魅影终于重见天日，摇滚乐史也从此翻开了新的一页。

哥特音乐从诞生之日起，其文化背景就决定了它与摇滚其它分支的明显差异。作为根植于浪漫戏剧艺术和十八世纪哥特式文学的音乐风格，它对黑暗压抑、死亡美学、宗教情结和对唯美主义近乎邪恶的追求，使得很多人避而远之。而相应的，也有许多对艺术尤其是后现代艺术敏感的人欣喜若狂地接受它。相比较其他的音乐形式，哥特更容易产生深刻而广泛的影响力。这种影响不局限在音乐方面，可以上升到艺术观念甚至价值体系的层面。

哥特音乐往往取材于挖掘和放大的人类感情世界，并在创作的过程中提升了这种自发的感性体验，所以当它再作用于受众（借用新闻学的概念，指接受群体）时，常会引发进一步的审美感情和思考空间。如果一种音乐引发的不只是艺术上的欣赏,同时还上升到哲学上的反思,以至影响到个人的信念和价值体系的改变，甚至到对生命本原及终极意义的质疑,那么它的控制力就无法言喻了。

正是籍由以上原因，我产生了把哥特音乐归于一种宗教的想法。 当然我的意思并非指哥特音乐的核心是宣扬宗教。事实上它并不比其它的音乐形式更具宗教性，至少大多数乐队的创作目的并不是为了传播某种宗教信仰，甚至有些极端的乐队旗帜鲜明地宣扬反宗教。我在这里所谈论的宗教不是指基督教、天主教或东正教等具体的实体，而是一种广义上的概念。

关于哥特式，要想见典型例子，请百度“沉珂”，谢谢～～

一篇文章了解像素画

像素画，一种用像素点构建的艺术形式，它深深植根于数字文化中，自诞生以来，已经经历了多次演变和创新。以下是关于像素画历史、分类、工具、应用等方面的基本概述。

像素画的祖先——马赛克与点彩画

历史上的马赛克艺术，尤其在中世纪的拜占庭时期达到鼎盛，被认为是像素画的灵感来源之一。马赛克镶嵌艺术以彩色玻璃和石头为素材，展现了精致的细节和几何纹理。而19世纪末兴起的点彩画（点彩派）则用了一种全新的绘画技巧，通过在画布上精准地分布不同颜色的点来构成画面，这一原理与印刷业的CMYK颜色模式有相似之处，都是通过色光混合来呈现色彩。

早期屏幕与像素风的兴起

早期屏幕因技术限制，像素率较低，被认为是电子产品的萌芽阶段。这一时期的像素艺术体现了简单直接的美感，后来的像素风游戏、插画以及社交媒体风潮等，均从中汲取了灵感。人们通过非智能手机和小霸王学习机等早期游戏设备接触到像素艺术，虽然最初仅作为一种技术条件下的结果，但随着时间的推移，像素艺术逐渐发展成为一种独特的艺术风格和文化现象。

像素画的分类与特征

像素画主要分为2D和3D两大类。2D像素画通常分为极简像素画和写实像素画。极简像素画以高度概括、风格鲜明的特点而著称，适合初学者探索和表达创意，而写实像素画则追求更高的细节与真实感，对绘画技巧要求更高。3D体素画是在三维空间中由体积元素组成的艺术形式，类似于搭建积木，通过在三维空间中构建像素体来创造复杂的结构和动态效果。

像素画的工具与应用

像素画的创作工具多种多样，从专业的图像处理软件如Photoshop，到专门的像素画编辑工具如Pyxel Edit、Aseprite、Piskel、GIMP、Krita等，再到在线绘制工具Pixilart，以及移动端应用如8位元画家、UNICORN、Bricks Camera等，为不同需求和水平的创作者提供了灵活的选择。像素画的应用范围广泛，包括插画、游戏、互联网运营、T恤设计、拼贴墙装饰、十字绣、毛衣图案设计和乐高玩具定制，甚至表情包创作，展示了像素艺术的无限可能和跨领域影响力。

总结而言，像素画作为一种深受数字文化影响的艺术形式，从其历史根源到现代创新，不断展现出独特的魅力和多样性。无论是从艺术、设计到日常生活的多个领域，像素画总能找到其独特的应用场景，成为了连接数字时代与艺术创意之间的一座桥梁。

世界顶级珠宝揭秘：大英博物馆馆藏珠宝目录

珠宝首饰是人类文明发展史上的瑰宝，它们承载着不同文化的精髓，跨越时空，讲述着古老与现代的故事。本文旨在梳理世界顶级珠宝的发展历程，通过深入研究大英博物馆馆藏珠宝目录，窥探珠宝首饰从古至今的演变轨迹。

珠宝首饰的发展历程可以追溯到远古时代。在前王朝时期，简单的宝石珠串便是人们最初的装饰品。早王朝时期，法老的“皇宫之门”和宽项圈成为了权势和地位的象征。中王国时期，黄金工艺的精细与玲珑，彰显出古代工匠的高超技艺。新王国时期，玻璃耳饰与黄金项圈的结合，展示了珠宝艺术的多样性。而希腊风潮的托勒密时期，珠宝首饰设计受到希腊文化的影响，展现出独特的风格。

在古代西亚，珠宝首饰是古代文明的杰出代表。乌尔皇陵的墓葬首饰，用以陪伴逝者，象征着永恒与不朽。赫梯风格的首饰，物美价廉，展现了古代匠人的智慧与创造力。腓尼基首饰，融合了赫梯和埃及风格，形成了独特的艺术风格。古伊朗首饰则带有游牧风格，而波斯帝国的首饰则集大成，展现了伟大帝国的壮观宝藏。华美的帕提亚首饰，精妙而稀少，体现了伊斯兰教首饰的独特魅力。

步入古代希腊和罗马时期，珠宝首饰的风格与设计深受影响。米诺安和迈锡尼文明为珠宝首饰的发展奠定了基础，而希腊首饰的东方化，则展示了文化交融的奇妙之处。古风时期和古典时期，珠宝首饰的风格逐渐成熟。希腊化时期的首饰，追求极致的美丽。罗马首饰作为地中海世界的集大成者，融合了众多文化元素。拜占庭时代，罗马风格的继承者，掐丝珐琅的魅力，展现了珠宝艺术的多样性和深度。

西欧早期的首饰，从新石器时代到铁器时代，经历了从金铜饰品初露端倪到黄金饰物登峰造极的过程。伊特鲁里亚首饰的独特风格，青出于蓝，展现了西欧早期首饰的创新与发展。

不列颠首饰的传奇，从凯尔特时期的胸针、手镯和金项圈，到罗马一不列颠时期的“罗马风”，再到日耳曼移民引入的色彩新风尚，以及日耳曼首饰风格的变迁，展现了不同文化的影响与融合。盎格鲁一撒克逊和斯堪的纳维亚晚期首饰，以及不列颠岛上的凯尔特风格，继续着珠宝艺术的传承与创新。

中世纪、文艺复兴及之后的欧洲首饰，从立体饰品的兴起到珠宝的嘉年华，珠宝艺术在时间的长河中不断绽放光彩。古代东方的首饰，从中国古代玉饰、头饰、腰饰，到明清时期首饰的华丽，再到蒙藏首饰的别样风情，以及韩国和日本首饰的演绎，展现了东方文化的独特魅力。印度早期首饰的佛塔秘藏，莫卧儿王朝时期的奢华至极，揭示了珠宝艺术在不同文明中的独特地位。

古代西非的首饰，如贝宁王国的荣耀，阿散蒂的黄金首饰，展现了非洲文化中对珠宝的独特理解与运用。而古代美洲的墨西哥和秘鲁金饰、玛雅文明的辉煌、印加王国的黄金盛宴、阿兹特克和米斯特克的轻金重玉，揭示了美洲文明中珠宝首饰的卓越成就。

各地的护身首饰传说，从古代中国到古代埃及，再到地中海沿岸地区、阿尔卑斯山北部地区，直至佛教和伊斯兰教的护身盒，珠宝首饰不仅仅是装饰品，更成为了人们信仰、身份和文化传承的载体。

宝石中的女王——浮雕宝石，不同于凹雕宝石的独特魅力，从早期发展史到中世纪和文艺复兴时期的辉煌，再到17-19世纪的浮雕宝石艺术，展现了珠宝艺术的多样性和深度。戒指的功能，从装饰、护符到实用，印章戒指、弓箭手的扳指、结婚、订婚和定情戒指，以及纪念和哀悼戒指，珠宝戒指不仅承载着个人情感，更体现了文化与社会的深刻联系。

设计美学与艺术之美的关系问题论文

三、艺术设计思维与设计观念

艺术设计是科学与艺术相结合的产物。在思维的层次上，设计思维必然包含了科学思维和艺术思维这两种思维的物质，或者说是这两种思维方式整合的结果。

科学思维或称逻辑思维，它是一种锁链式的，环环相扣递进式的线性思维方式。它表现为对现象的间接的、概括的认识，用抽象的或逻辑的方式进行概括，并采用抽象材料(概念、理论、数字、公式等)进行思维。

艺术思维则以形象思维为主要特征，包括灵感(直觉)思维在内。它是非连续性的，跳跃性的、跨越性的非线性思维方式。艺术思维主要用典型化、具象化的方式进行概括，用形象作为思维的基本工具。对于艺术设计师来说，形象思维是最经常最灵便的一种思维方式。艺术设计需用形象思维的方式支建构、解构、从而寻找和建立表达的完整形式。

在设计思维中，逻辑思维是基础，形象思维是表现，两者相辅相成。

设计思维具有哪些特征呢？

(一)科学思维的逻辑性和艺术思维的形象性的有机整合。

(二)艺术思维在设计思维中具有相对独立和相对重要的位置。

(三)设计思维是一种创造性思维。

1. 独特性

2. 流畅性

3. 多向性

4. 跨越性

5. 综合性

如何具体实现设计的创造思维呢?当然，方法无限。在此我们提供些可行性建议作为参考。

1. 与现行的概念背道而驰的想法

当某种设计的方法成为流行的时候，设计师必须尽早抛弃它，努力寻得完全异样的表达方式。只有这样，设计师才能走在新思潮前面，不被流行淹没，以求做到特别与独行，显现自我的创造价值。

2. 反向大众的观念

这个方法很有效果，永远与公众欢喜的东西保持距离，并背道而驰。我们会惊奇地发现，创造实践其实并非我们想象的那么难。我们不仅能体会到标新立异的乐趣，还能在此活动的过程里享受真正的自我。

3. 问题意识地思维

问题意识的思考问题，是创造思维的动力。只要我们有强烈的问题意识，我们便能在我们的生活中发现很多问题；我们也能在所有现成的事实面前提出有氢可依的疑问。我们现行承认的方法、标准、形式、概念、内容等方面的东西其实都不是永恒不变的。事物的所有，所有的事物，其实是可以无止境地探索下去的。理解了事物的暂时性，我们就会有勇气对所有问题提出质疑。怀疑的态度成熟与否根本不重要，我们毕竟需要的是提问题的精神。因为我们明白，没有质疑就没有创造。

4. 信心与意志

所有具有创造能力的人，从来不认为创造是件多么艰难的事。有了自信的底气，加上坚韧的意志，就没有什么成就不能获得。任何人，只要专心致志地从事自己喜欢做的事，他就能成就。每个人其实都藏有巨大创造潜能，只是我们不去唤醒它，它自然就不理会我们。自信之人往往不太在意他人对自己的看法，因为自己是超越他人的，他们坚信最终的结果。别人不认同自己，正好说明自己走在别人的前面。应该为自己的不被认同而暗自高兴。

5. 开阔的眼界

有创造性的人必须清楚在自己的设计领域内，当下世界发生了哪些最新的事情，以及最好的事情有哪些。有了开阔的眼界，就知道什么是好东西和有价值的东西；当自己进行创造活动时，便会有一个较高的衡量与评判标准；而且自己的目标也会更明确和清晰，品位也自然会高于他人。开阔眼界的意义也在于让自己清楚哪些事是别人已做过的；哪些事别人正在做；哪些事别人还没做；哪些事自己做了会多么了不起。因此，关注本领域内世界上发生的事，实际上是清楚地定位自己，也是把自己放在世界前沿的正确姿态。这样，自己就能做到事倍功半。

6. 游戏的童心

很难想象，在一个每日都处于紧张的工作和生活状态下的人，会产生创造的灵机。科学研究证明，人只有在身心完全放松的情况下，想象和创造力才能进入最佳状态。我们从儿童绘画作品中那些丰富多彩的想象中得到启示。儿童在绘画时，他们是以游戏的心态进行创作的。他们既不管别人怎样想自己的画，也不关心画中的内容与现实的差距，当然，更不会有考虑为展览而作作品的想法。因此，以“无人之境”的本原心态进行的创作活动，才能无拘无束。想象的空间便无边无际了。

7. 直觉与分析研究

直觉与分析研究看似是两个矛盾的方法，但如果能灵活地运用，它们可以成为相辅相成的绝佳创造方式。在大多数情况下，直觉往往最敏锐、深刻而又最接近真理。人思维的感性，是分析研究所无法代替的。直觉是自然给予人类最好的智慧礼物，我们如不充分利用它，那还有什么样的智慧更值得我们去发挥的呢?

当我们彻底地将直觉打开后，那些无法解决的问题就留给理性的分析去处理。理性分析的职能是帮助我们在无法做出正确判断的情况下，给我们以相对客观地指引方向，并能在此基础上提供相对合理的解决方法。这种感性与理性思维的结合，就是设计思维的基本方法；也是获取有价值性的创造思维的方式。

8. 灵机感

从别的事物中寻找创作灵感是一个十分有效的思维方法。带着思考的大脑，在街上随意乱走，看人、看他们的行为、看不同的商店、看天看地、看自然等等。在对周边发生的事物进行观察的同时，随机引用偶发之事，使之与自己所思考的问题联系起来。我们便能发现许多灵感与各种可能。同样，从其它类型的书籍中寻求灵感的动机也能获得类似的结果。那些被人遗忘的废旧报刊杂志，往往也蕴涵着无限丰富的灵感源泉。就设计来思考设计往往是徒劳的，我们的思维在以另类的角度来审视设计问题时，常常会产生新的发现和突破。人的思维活动总是需要某个动机才易于展开，纷繁混杂的世界实际上就是我们的创造思想取之不尽用之不竭的策源地。只要我们善于借用其它事物或现象，从其中提炼或转化成设计所需要的内容或主题，创造的问题就根本不是什么问题。(图4．5—4)

9. 无法之法

打乱我们常见或现有的概念或元素，随意性地加以重组与替换，我们将会惊奇地发现难以置

信的结果。那是些我们通过理性与逻辑思维都无法预期达到的东西。它们生动、新颖、奇怪而又富含生机。在采用此法的实践过程中，自由与随机的重组与替换一方面是重要的；另一方面，对有价值的偶发机遇的结果也要做出正确的选择。判断的能力自然取决于眼力与敏锐感觉的程度。重组与替换的方法其实也包含多种不同的做法：如扩大与缩小、强行组合与拆散、反过来与倒过去、增加与减少、扭曲与重复、打乱与重组、转换与替换、破坏与乱拼等等。总之，无法之法就是最好的创造方法。(图4.5—5)

10. 多动手

人的思维有时走在动手之前，有时却又落在我们手后。在大多数情况下，思维的疆域会在我们动手工作所作的草稿视觉形象时被激发与扩张开来。动手工作与大脑思维在互动的情况下能相辅相成。不成熟的想法通过适当的表达，有时也能成为极其有价值的构想。没有把思维表达出来，任何思考都是难以成立的。而且，从众多的构思中选择有价值的方案，或对每个构思进行反思的思考，没有视觉形象的依据，任何决策的确定都不可能实现。

11. 灵活性思考与方法

灵活性的思考与方法应贯彻在整个创作的实践过程中。去不掉固有的观念，或做不到否定我们通常确信的概念，我们就很难成为创造力的人。创造的精神实际上就是反叛的精神。对设计师而言，“不破不立”应是极具魅力的言行掼，也是激发创造的必备前提。道理很简单，我们只有具备了怀疑与否定现行事物的思考精神，我们才能做到发展新的可能性。只有这样，历史才能发展，人的创造潜能才能变为实践活动的能量。

在设计史上，各种设计观念不断出现，如“功能主义”、“形式主义”、“装饰美化”说“商业主义”、“人性化”的设计观等等。

“功能主义”设计观在设计领域具有很大影响。它强调设计从产品的功能出发，使设计满足人对产品的功能需求，甚至在设计中出现了功能至上的现象。

“形式主义”的设计观，虽然能够在外观上获得新颖、奇异的效果，引导潮流，但由于它不能把握设计的内在规律，使形式与功能脱节，出现了虚饰现象。如流行于20世纪30年代美国的“流线型”设计风潮。

“装饰美化”作为工艺美术的设计思想，它研究造型、色彩、纹饰的变化与统一，由于它“缺乏对形态的科学研究”，“不可能根本解决产品的结构、功能和质量”。

“商业主义”的设计观，通过设计，促进商品经济的繁荣，提高产品在国际市场上的竞争力，增加社会财富，改善民众生活，这是“商业主义”设计存在的合理性。但是它的局限性也很明显，就是受到商业利润的驱使，使设计“唯利是图”，“造成资源浪费，生态破坏及对道德的歪曲。”“一切为了迎合市场”，很容易使设计误入歧途。

人性化的设计观念是艺术设计从产生、发展到成熟以后出现的一种设计思潮。它反对以往的设计师只注重功能、形式、装饰、商业利润等，进一步要求设计师要注意物品在人们生活中的作用以及对周围环境的影响。

四、艺术设计方法论

方法论又称方法学，就是研究方法的理论。在方法学上，哲学家与实践家有两大主张：理性主义与经验主义。前者主张在认识、设计、探索和研究的过程中，确立理性的原则，从这些原则出发，按逻辑步骤，建立合理的过程；后者主张凭感觉及直觉，以及由此积累的经验从事各项研究与工作。在不同的理论体系中，方法有着不同的概念特征。当代的科学理论在很大程度上被归结为科学方法学说，归结为对数学或形式逻辑尚未要求其作出分科的那些方法的描述和反思。

方法论不是严格的形式科学，而是实用科学。它与人的活动有关，给人与行动的指示，说明人应该怎样树立自己的认识目的，应该使用哪些辅助手段，以便能够有效地获得科学认识。正是在方法论的基础上，设汁科学才得以建立。1978年赫伯特·西蒙出版了《人工科学》一书，正式提出了设计科学的概念，书中总结了当时初露端倪的设计科学的特点、内容和意义。这是设计方法学的一部经典著作。

设计方法论是设计学科的科学方法论。西蒙认为是“关于认识和改造广义设计的根本科学方法的学说，是设计领域最一般规律的科学”。它涉及到工程学、管理学、价值科学、社会学、生理学、心理学、思维科学、美学和哲学诸多领域的知识。作为方法论主要研究设计过程和各阶段、各步骤之间的关联性规律、原理和规则，以确保整个设计项目有一个科学的、合理的设计进程。因此，设计方法学是探讨设计进程最优化的方法论。

现代设计的趋势是向优化与多元化的方向发展，其方法是多种多样的，主要有突变论方法、信息论方法，系统论方法、功能论方法、控制论方法、离散论方法，智能论方法、优化论方法、模糊论方法、艺术论方法等，其中很多方法多用于自然科学的研究，艺术设计作为一种综合性、交叉性的学科，引进自然科学的方法是可行的，也是必要的。

1、突变论方法

突变论方法是现代设计的主要方法之一，就是强调发展、开拓、创新、突破。如头脑风暴法就能产生突变性机理，因此，它是一种用于开发性设计的科学方法。

1901年美国创造学家AF奥斯本提出头脑风暴法，又称脑轰法、激智法、奥斯本智暴法等。它是一种激发群体智慧、调动群体思维积极性的方法。一般是预先设立一个课题，召开一个小型会议，与会人员围绕这一课题展开讨论，相互启发，取长补短，引发创造性联想，以产生众多的创造性成果。与会人员在数量上不要太多，一般十个左右，会议时间为一个小时左右，会议的原则如下：

1. 提倡思考的独立性和自由精神，允许标新立异；

2. 不准批评其他与会人员的想法；

3. 与会人员一律平等；

4. 有的放矢，不许空谈；

5. 力求设想的多样性，从数量中求质量；

6. 归纳整理各种设想，不搞少数服从多数；

7. 整理归类后，再召开会议，挑选最有希望和最大可行性的设想。

德国的创造学者鲁尔巴赫对智暴法进行了一番改造，提出了“635”法。“635”法特别适合德国人好沉思的性格，对那些不喜欢言谈的人确是一种好方法。

头脑风暴法与戈登技术

“头脑风暴法”(Brainstorming)是美国BBDO广告公司副总裁、心理学家奥斯本博士发明出来的一种创造性设计思维互动的组织形式。即以会议的方式，将专家、学者、创意人员组织起来，围绕一个明确的议题，借助与会者的集体智慧进行讨论。目的是运用风暴似的思潮以解决问题。这样可以通过集思广益的方式在一定时间内大量产生各种主意，产量越多，则得到的有用主意就越多。它强调自由思考，不受约束。因此，它可以激发创造动因，同时通过相互启发，又增加了求异思维的联想机会，使创造性思维产生共振和连锁反应，以产生和发展出众多的创意构想。这一方法在美国广告界及工业设计界风行一时，近年来已开始广泛应用于设计教育之中。

“戈登技术”是美国学者戈登(Gordon)于1961年提出的一种与头脑风暴法截然不同的培养创造能力的方法。它只是提出一个抽象问题，比如：“如何存放东西”，然后要求学生思考存放的方式，可得到许多答案，而后缩小范围再做问答。这个方法可以有效地提高学生从本源出发理解事物，以“原创性”的创作理念为指导进行设计。这是一种围绕问题展开意念创造的设计教学过程，在形式上严谨有序，有利于集中学生的智慧，引导他们在有效的途径上发挥想像力和创造力。

2、系统论方法

系统论方法是以整体分析及系统观点来解决各种领域中具体问题的科学方法学。系统论方法从整体上看，不外乎是系统分析、系统实施三个步骤。将这种方法用于设计之中，就不再把设计作为孤立的对象来看待，而是把它放在“人——机——环境——社会”的大系统中来认识，具体设计时，就不再仅仅考虑物品的功能、形态、色彩、表面加工以及装饰效果等，而是要考虑到物与物、物与人、物与自然、物与社会这样一个系统的关系。

亚里士多德说“整体大于部分之和”，这至今仍是系统论的一个基本思想。

系统论作为一种方法，是属于科学方法论的第二层次，第一层次是哲学方法，这是高度抽象，因而无论对自然科学抑或社会科学均有普适性的方法；第二层次是一般科学方法，如实验方法、逻辑方法、数学方法、系统论、控制论、信息论方法；第三层次是门类科学方法，是哲学方法的实际运用。如研究设计就有研究设计的方法。而在设计中运用系统论方法，是最常用的门类研究方法。

其系统分析包括：

(1)整体分析：确定系统的总目标及相关客观条件的限制；

(2)任务与要求：为实现总目标需要完成哪些任务和满足哪些要求；

(3)功能分析：根据任务与要求，对整个系统及子系统的功能和相互关系进行分析；

(4)指标分配：在功能分析的基础上确定对各子系统的要求及指标分析；

(5)方案研究：根据预定任务和各子系统的指标要求，制订出各种可行性方案；

(6)分析模拟：由于因果关系的变化，通常需要经过分析模拟加以确定；

(7)系统优化：在方案分析模拟的基础上，从可行方案中选出最优方案；

(8)系统综合：对最优方案要付诸实施，必须进行理论上的论证和具体设计，以使各子系统在规定的范围和程度上得出明确的定性、定量的结论，包括细节问题的结论。

日本产品设计大师黑川雅之认为：所有事物，无论是目的和组织方式，都有着结构。决定结构的因素很多，动力特性、材料特性、生产过程、材料和部件的寿命、部件的可换性、维护方式、组装次序、表达的意念以及决定存在方式的组合因素，包括每个部件应适应分拆程序的需要，即便对于使用者而言，管理回收的技能也成为必须等等，这是整个“意念体系”，决定着产品的结构，决定着物体存在的方式。这说明了在设计产品时导人系统化的结构概念是十分重要的。

系统论，也为人们掌握全局、提纲挈领地解决设计问题提供了行之有效和科学理性的思维方法，并能将复杂、综合的设计与实践过程梳理为脉络清晰、层次分明的工作体系。对系统方法的探索，一定要善于发挥创造性思维和直觉感性思维方式的优点，促使理性和感性相结合、相融会，用不断丰富和完善科学的设计方法去创造未来更优良的设计。

3、功能论方法

功能论方法就是把产品的功能问题放在设计活动的重要位置，在产品功能分析中排除一切不必要的多余的成分，从而达到降低成本的目的，它有助于提高产品的适用性，有利于提高设计的科学水平。只有从设计对象的功能系统出发，通过功能系统的分析，寻找适合特定功能的结构和形式，使设计趋于完美。因此，功能论方法有助于克服片面的追求造型形态美观而功能不合理的弊端。

功能论方法的主要内容：功能定义、功能分类、功能整理。功能定义就是明确设计对象的功能内容，如钟表的功能就是指示时间，空调的功能就是能够调节空气的冷和热。功能分类就是对具体 的设计对象的功能进行分解、归类、如基本功能和辅助功能，物质功能和精神功能(实用 功能和审美功能)、必要功能和不必要功能、目的功能和手段功能等等。 五、设计哲学与设计美学

1、设计哲学

哲学作为文化的一种特有形式，是具体的自然知识、社会知识和思维知识的概括和总结，对人类社会和科学文化发展有着指导作用和智慧启迪作用。

从更广的意义上说，哲学就是创造观念形态、价值体系、构筑行为模式和生活意义的艺术。在这里，哲学和艺术已经融为一体。如今，设计的发展已经成为现代人类行为和生活的重要内容，成为人类社会的重要组成部分。从本质上讲，设计就是一个沟通“思”与“行”、理论与实践的重要哲学范畴。它不仅涉及广泛的知识领域，而且具有深刻的哲学含义。

设计哲学，是关于设计领域根本观点的学说体系，是设计的普遍知识的概括和总结。罗素说：“当有人提出一个普遍性问题时，哲学就产生了。”设计哲学讨论的就是设计的普遍性问题时，哲学就产生了。设计哲学讨论的就是设计的普遍性问题。如设计与需求、设计的尺度、设计的内容与形式、设计的美学等问题。

中国传统的设计艺术，处处都体现着传统中国哲学——儒、道、释三大思想体系的理论精髓。老子提出过“万物—体论”，指出宇宙万物为息息相关而不可分割的整体。“天人合一”的哲学思想，主张自然与人的和谐统一，是中国文化在精神层面上、思想观念上的一个突出特征。这种自然与人的亲和关系，体现了中国文化精神的特质，对传统工艺设计的影响是十分深远的。中国古代的建筑、园林和工艺品设计，十分注重顺应自然物性，遵循自然规律，将自然物性与人的巧思、匠心完美地融合在一起，以达到“天工”与“人工”浑然一体的哲学境界，从而形成了富有浓郁东方特色的设计文化。

西方从古希腊的人本主义到中世纪的宗教神学，从文艺复兴时期的人文主义，康德的理性主义，再到近代的科学主义、结构主义、现象学、符号学等思想流派，都深深地影响着设计艺术的发展方向。

特别是到了20世纪60年代，法国当代哲学家德里达以其解构思想来“解构”西方传统哲学，并于70年代末成为后现代哲学场景的中心。其目标是消解西方传统形而上学所支配的二元思维模式，倡导多元论思想，对设计艺术产生了深刻的影响，出现了与现代主义设计迥异的后现代主义的创造性思维和设计方式，使过去单纯的实用品具备了多种语义功能，向世界展示了一个极富表现力的全新天地。

今天，人们从广泛意义上提到的“生态设计”、“绿色设计”和“环境意识设计”等，实际上是在新的历史发展时期，越来越多地认识到了设计与生态环境的和谐关系是社会得以持续发展进步和实现自身最高价值的依靠，即所谓“天人合一”，反映了社会发展过程中人与自然深层次的相互协调和共同发展的哲学思想。

未来设计首先要考虑下列问题：产品能否从长期意义上改善人类生存的空间和环境，能否有助于维护全球性生态平衡及品质，是否能有效地控制产品的过剩生产。因此，展望未来，设计文明将优化现代工业“文明”，“少而优”(Less but better)将是设计艺术的新的伦理规范和哲学思想。

设计师运用哲学之思去发现其中蕴涵着的思维方法和智慧，这些智慧是运动的、有生命的。对哲学的思考有利于我们在传统的结构和方法之外，在世界观、认识论、道德论、价值论等方面，形成新的设计内涵。因此，哲学是推动设计探索与不断前进的动力，哲学在确定学科和文化的发展方向等问题上仍然有着重要意义。

套用建筑师泽德勒的话说：“设计归根结底源自哲学观念的变革，哲学新的变革又将展现出设计和文化新的发展趋势。”

2、设计美学

以哲学思想为根基的美学观念与设计艺术发展的关系之密切和直接是显而易见的。设计艺术美学是从审美的角度认识设计、理解设计。其研究对象包括设计艺术的所有领域，从产品到设计计划、构思过程、设计方法到设计的技术、制造；从物的实用功能到设计的文化品位、表现形式风格等；从造物的形态到造物的思想与理想；从审美时尚到市场消费等多种价值尤其是审美价值的研究。

（一）功能之美

产品的实用功能虽然与其自身的功能美的产生没有必然联系，但实用功能却直接影响着主体对它的审美评价，实用甚至可以转化为审美。这种美，我们姑且称之为效用的美或功能之美。

早在200年前，康德(I．Kant，1724—1804)就明确指出：美有两种，即自由美和依存美，后者含有对象的合乎目的性。合乎目的是一个更有优先权的美学原则，它与功能相近。在近代美学史上关于审美的功利性与超功利性之争由来已久，随着工业革命带来的功能美的发现后迎刃而解。因为它清楚地表明，美的现实存在不得不使人们考虑被哲学美学所忽视的功能与美的关系问题。“工业美”、“有用美”作为明晰的观念逐步建立起来，使“功能美”成为现代设计美学的一个核心概念。

“功能美”最本质的内容是实用的功能美，即明确表现功能的东西就是美的。美国雕塑家霍拉修·格林诺斯(Horatio Greenough)于1837年第一次提出“形式服从功能”这句话，一百年之后，芝加哥建筑学派的大师路易斯·沙利文(Louis Sullivan)把这句话作为自己设计的标准，创立了自己的设计体系和风格。现代建筑的立场也被称为“功能主义”(functionalism)或者“理性主义”(rationalism)。功能主义设计思潮不仅使设计摆脱了和纠正了18、19世纪以来重外在形式不注重产品内在功能的偏向，同时也创立了一种简洁、明快具有现代审美感性和时代性的新风格，深刻发掘了来自功能结构的美。但现代主义把装饰美与功能美截然对立的美学思想，在对功能美的认识上是有局限的。德国工业设计师们曾提出TWM系统功能理论，他们认为产品的功能应包括技术功能(T)、经济功能(W)和与人相关的功能(M)三方面。技术功能主要是指产品物理化学方面的技术要求；经济功能涉及产品成本和效能；与人相关的功能涵盖面较大，包括产品使用的舒适性、视觉上的愉悦美观等。这样的功能美实际上包括了设计美的全部内容，与我国提出的实用、经济、美观的设计原则有一致性。把功能理解为一个从内到外、从功效价值到审美价值的整体，对设计功能美的解释应当说是比较全面而深刻的。

功能整理，就是运用系统论的方法，分析各功能之间的内在联系，从功能的逻辑层面上，编制出功能关系图和功能系统图。准确的功能系统图，能够提高设计的成功率。